Perception’s Weblog

康爷爷是为数不多的几位让我一见如故的大师之一。 他的每一幅画，特别是 Bauhaus 以后的作品， 都是让我意外的同时又觉得温暖和亲切。

下面这一副是和费老师在上海聊到过的，效果比画册上要差不少， 颜色也有失真

Storeys. 1929

这句话从bbs看来的，引人深思：

从图像恢复的角度这句话是不准确的，一般地说，被马赛克遮住的像素的信息不可能完全恢复。 但这句话有意思的地方在于看尽天下毛片一句。如果我们有天下所有的毛片（更确切的说，是天下所有可能的毛片），我们就可以建立一个异常准确的关于毛片图像的分布的估计。因为有一个近乎无穷大的训练集，我们可以放心地使用任何渐进正确的非参数估计。如果不考虑计算量的问题，我们可以建立一个庞大的联合分布，包括video里面前后任意长度的图像，声音，字幕等等。基于这个联合分布，图像恢复已经是水到渠成的事，只需用简单的maximum a posteriori (MAP)的解。 一个合理的选择是 Zhu & Mumford等人的FRAME，我们可以选择任意阶的滤波器而不用担心可靠性的问题。当然，因为考虑到了声音字幕等信息，最后的联合分布可能已经不是一个马尔可夫随机场， 从而在求MAP解的时候， 不能用简单的Gibbs sampling，但这应该不是大问题。

总而言之，这真是所有机器学习研究者的fantasy啊！！！

【参考文献】

(1) David Mumford, Basilis Gidas (1999) Stochastic Models for Generic Images

(2)Song Chun Zhu, Yingnian Wu, David Mumford (1996) FRAME: Filters, Random fields, and Minimax Entropy– Towards a Unified Theory for Texture Modeling. CVPR 1996: 686-693

(3)少儿不宜

永远支持窦唯，永远支持独立制片

说到艾舍尔，就不能不提马格里特，两人都是因为witty and amusing的画作闻名。 我喜欢马格里特远多于艾舍尔，也许是因为讨厌埃舍尔作品里过于明显的数学味道，而欣赏马格里特独特的诗人气质和他那些妙不可言的画名。 这么比较大概挺荒唐，因为两人的风格本来就很不同。

作为一名超现实主义画家，扭曲现实和颠覆逻辑是他的本职，比如下面两幅就因为有强烈的自指（self-reference）意味而被《GEB》提到：

René Magritte. The Human Condition.

The treachery of images

马格里特的诗人气质在下面这幅里面显露无遗。The lost jockey 大概是他非常喜欢的一个意象，在他不同年代的作品里出现过多次。 1923年他第一次以此为主题，也是他第一次 played with a poetic idea。 但我最钟情下面这一副，创作于1948年画家50岁的时候。

每日如厕读中文版《集异璧》 （有Douglas Hofstadter同学的亲笔签名， 大不敬），随意翻开，读来全无系统。只有艾舍尔同学的画一遍遍地加强记忆，其实他老人家的画我一向缺少共鸣，也许是是因为不喜欢他对pattern和self-reference的过度迷恋，  唯独下面这一副让我悠然神往

M. C. Escher Puddle

茨威格吓唬我们说艺术家往往陷入巨大的痛苦甚至因此而几近疯狂，而这种诗人的痛苦是艺术灵感的源泉。 我小时候读到这些后， 就决定珍爱xx, 远离艺术。 糟糕的是，自我记事起， 就经常被突如其来，无法言传的忧伤所淹没。稍大一些， 我开始明白艺术正是我需要的解毒剂—-让他们的痛苦来照亮我的一个人的痛苦。

而我现在既没有成为艺术家也没有疯掉，大概是因为我的天赋和痛苦都不够，也许也因为我还有别的很多事情要做。 但是如果你已经住进疯人院当了一名全职的精神病患者，不用每天回家，去实验室和逛超市， 你大概离艺术家就不远了。 有例为证： 下面是一个狂躁型精神病患者的画作（点击看大图）， 据说其犯病的时候拿刀在街上砍人。
挣扎 半边人 放大镜 怒吼

我相信看过《怒吼》的人没法不联想到蒙克的名作《嚎叫》（下图），他们都带有一种精神病人特有的敏锐和扭曲的特质。 为了减少《嚎叫》给我带来的不快，我用Homer Simpson形象的parody 来代替

其实是很老的文章了。陈老师是个懂艺术愿意谈艺术会谈艺术的人，真让我好生喜欢。

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拿起镰刀，看见麦田——王安忆和陈丹青对话节选

王安忆：觉得和陈丹青可以在一起谈艺术，这是比较重要的。

陈丹青：我怎么看安忆？那时候她很老实的样子。我们认识后，她就递给我一本她写的小说叫《六九届》。

王安忆：《六九届初中生》。

陈丹青：我看见安忆非常高兴，因为突然发现六九届有个人在写小说。六九届什么书都没念，百分之百送去插队， 我和安忆都是六九届。我知道她时从未读过她 的小说，而且对新文学豪无了解。我出国时这些事还没发生。现在我第一次看到有个同代人写我们自己的生活我就高兴。有一篇叫《本次列车终点》，我读了很感 动。记得结尾写主角回城后心里苦，跑到外滩人堆里去，家人又去找他回来。这种感觉写得很对。我小时侯不开心，也一个人跑到外滩瞎走。

王安忆：那是你在认识我之前还是以后看的？

陈丹青：先是我父亲写信告诉我上海有个王安忆，写了这么一篇小说，写得很好，还在信中告诉描述小说的故事大 概。我不知道这个人是谁，等到1983年她 到纽约我们约了见面后，我想，咦，这个人怎么真的来了！然后我居然自说自话给她的小说提意见，她也居然听，还把我书信里关于《六九界初中生》的意见拿去发 表，我记得我说那只是一篇拉得很长的小说，还不算是”长篇小说”。说起来这都是十七年前的事情了。

陈丹青：那时，突然这一代人开始来讲他们自己的感觉了。我的信条，不过就是库尔贝那个信条：画你眼睛看见的 东西，我提呈的其实不是西藏，而是一个观看 方式。安忆呢，她提呈的是譬如六九届，一个女孩去乡下，她就直接讲这个故事。可我还是拐了个弯，要靠去画西藏来呈现这种观看。我没画过知青，也没画过我插 队地点的农民。西藏是有点异国情调的东西，可能这正是文学和绘画不大相同的地方。那时我老觉得人民装，还有南方农民的模样、农村的景观，都不太进入我向往 的欧洲古典油画的画面，我在西藏好像看到了那么一点我假想的欧洲油画的画面，宽袍大袖，粗犷的模样，我自以为找到一个理由画出像法国乡村绘画那样的画面， 那种画面已经提供我非常典范的仪式性，我可以用来作作文章。

王安忆：你现在说的这点很好的，这也有点像我现在考虑问题的方式，就是写什么。你的考虑就是从形式上看，好比我写什么，必须合乎小说叙述的特征。画比较隐藏，不可能把叙述者放进去，而小说可以。

陈丹青：其实绘画可以做到的，问题是当年长期教条弄下来，画工农兵，你的参照系统很简单，就是中国或苏联过 去那套所谓社会主义现实主义，那已告诉你工 农兵该怎样去画了–我不愿老是那样去画。当时我和罗中立可能改变了一种情况，即我们可以”这样地”去画工人农民，但毕竟，我们不是在画我们自己。但有一 个人这样做了，是四川的程丛林。他画了一幅大画叫《1978年某月某日某夏》，一屋子我们这代人，在文革后非常茫然、渴求、骚动，挤在一间大教室里，上百 号人，在听着什么，讲台没画出来，但画出了我们时代的群像，就像文字那样，直接”写”出来：失落的一代，愤怒的一代，那时我与丛林都只有二十几岁。可是这 幅画被全国青年美展拒绝了，落选了。所谓时代错过了它，它却没有错过时代，紧紧地捉住了时代–后来一直宣传我的西藏画和罗中立的《父亲》，但你要知道， 罗中立不是
一个农民，他是工厂里的工人，我是个知青，可我画的是西藏。

王安忆：罗中立的《父亲》我倒是不怎么喜欢，我觉得他是知识份子，而且是个小知识份子眼睛里的父亲。

陈丹青：不，他参考的是美国超现实主义画家查克.克罗斯，他要找的是一个参考架构，才能画出他要画的农民形 象，而我也要找到一个参考架构，比如说米 勒，或别的什么我恰好喜欢的画家，才能画出西藏。我们都要有个架构才能去表达，但程丛林不一样，他参考的还是过去的苏联社会主义现实主义，但他用那一套说 出了文革中从未说的话。

王安忆：他可是题材上面有了新的表现。

陈丹青：对！此前没人表达过这题材，而他同时表达的是对题材的感受。感受是无法替代的。没有知识的一代，错过了青春的一代。在那个年头，我觉得那幅画了不起。

王安忆：那么他事实上也不过起到了一个照片的作用。

陈丹青：那时候能起到这作用就很了不起，我会说的我的画不过也是照片的那点作用。

王安忆：那不一样。

陈丹青：在照片发明之前，西方绘画就是要做照片能做的事：再现的，忠实复制的，反映论的。照片是西方绘画的 观看方式的延伸。那会儿他们将我的画说成是 “生活流”，其实西藏同我的生活没关系，我提呈的不是”西藏”，而是艺术家再现所谓生活的”观点”。现在北京有个刘小东，比我小十岁，完全画他们那代人的 日常生活，画得好极了，很直接，很生猛。我只给他一个问题：你为什么要让别人来看你的生活？看你吃饭，看你打猎？但这样画在美术史上是有贡献的，在意识形 态统治艺术后，一定会有个反动：我不要大主题，国家、民族、历史，我都不画，我就画我和爱人，我和我那条狗，我和哥们儿，酒吧、咖啡馆、宴饮。西方绘画也 是这么过来的。

王安忆：我的问题是，事实上你画你的爱人，画你的狗、你的孩子，画你的一切东西，其实你不只是画他们的形 态，那这个形态肯定是你经过辨别和过滤的，就 是一个审美的形式。如果只是往真实里画，往现实生活里画，这是二十世纪艺术的思潮，就是一种倾向，这种倾向完全抛开了审美的、对象化的……

陈丹青：你说的二十世纪是中国的二十世纪还是西方的二十世纪？那不是一回事。

陈丹青：绘画要怎么样才是好呢？让你目瞪口呆，一直想要看它，就是好！看画是件很直接，又很神秘的事情。后 现代有个很重要的作家叫克莱蒂曼，他说一幅 好画有两个标准，一是看了之后很难忘，一是你在任何情况下看它，过了很久去看它，都会发现新的感觉，还是想看它，那就一定是好画。

王安忆：我有时候特别羡慕你们画家，看到那种画面特别有戏剧性，可惜我画不来。

陈丹青：我以后还想试试所谓社会主义现实主义的绘画。非常舞台性，有群像，群像中有主角，主角在引导整个场 面，达到一种戏剧性效果，而这种效果其实是 假的，这假东西指向一个意识形态，比方说，毛主席视察抚顺煤矿，一群人兴奋地围着。这种创作方式文革后一直在批判，但这类画很有意思，不是因为它假，不是 意识形态，而是作者在营造这假东西时那种近乎迷狂的、荒谬的、但其实非常当真的那么一种状态。我们现在看文艺复兴的画，谁还注意耶稣受难或复活？我们是在 看艺术家怎样整个掉在里面，怎样一五一十地弄得它煞有介事，看那种热情。

王安忆：我看古典绘画时，思想是单纯的，就是觉得好看；看现在的画吧，你就得去想，它到底想干什么，它是什么意思。我觉得这是很辛苦的事情，画就要给你直观上很好看就行了。

陈丹青：现代主义的画是画给画画的人看的。中国绝大部分不画画的人不喜欢现代艺术，或者他不太敢说喜欢。我们所说的现代艺术，当然指那些典范，毕加索、马蒂斯、达利、马格丽特等等，那绝对是好东西。

王安忆：毕加索的东西，我现在好像特别反感。它不需要解释，你没有理论的话，那个东西就不好看。

陈丹青：因为你看惯了自己能够解释的东西，一旦看到你的解释系统难以应付的作品，你就觉得自己变愚蠢了，你 就会起抗拒感。每个人在那种自己现有的知识 突然用不上的画面前，都会懊恼。所以重要的东西不是毕加索怎样，而是你在看到他的画之前你是被教导怎样看画的，是那个东西在起障碍。

王安忆：没有，其实教导我们的只是生活中的场景，这是个很自然的东西。

陈丹青：你说的”自然”，是文艺复兴到印象派绘画所告诉我们的那个”自然”观，印象派以后的画使你所有过去的的知识和解释系统不奏效了，你认同的习惯的那套沟通方式不起作用了，所以你烦它。

王安忆：那他的那套认同方法是根据什么来形成的呢？

陈丹青：你看毕加索，就得学会看塞尚，看塞尚前，要学会印象派，它们是个连续的，一脉相承的关系，是父生子、子生孙的关系，走着走着，绘画自己会走到这一步。我不知道你是怎样看现代小说的。

王安忆：我不喜欢。

陈丹青：所以你会停下来，在一个转折点那儿停下来，回头去看你的解释系统非常顺畅的那部分作品。我想如果你喜欢现代小说，比方卡夫卡、存在主义、法国新小说之类，你可能会对现代绘画有另一个立场。

王安忆：我现在特别反现代，在艺术方面。

陈丹青：你的意思跟托尔斯泰很接近，他写了一篇《论艺术》，大麻他当时的新艺术，还骂莎士比亚和尼采，骂得非常诚恳。在中国，大部分知识分子都不明白，也不喜欢西方现代绘画–喜欢、不喜欢，都是”人权”，你有理由坚持自己的天赋人权。

王安忆：其实现在的东西都很简单，你一解释就会发现它简单得要命。我我现在实在搞不懂为什么要把简单的东西复杂化。我觉得古典艺术好就好在它把复杂的东西变得那么简单。现在我们看一幅毕加索的作品，你在那儿想呀想，好像不用眼睛，在用脑子。

陈丹青：毕加索的东西一点都不要你去想，他就是叫你别去想。

王安忆：那我看他什么？是看他的线条、颜色？还是看什么？

陈丹青：看笔墨，看他怎样玩局面、玩色彩、玩节奏、玩律动。就像现代音乐让你听和声，听无调性。

王安忆：自从有了无凋性之后，我觉得音乐都互相相似。

陈丹青：是，你可以这样说。我只能告诉你，弄现代音乐的人会喜欢听–当你听了大量大量有旋律的，有思想的，注重传统结构的东西之后。

王安忆：我觉得人不能违反自然，最最伟大的是自然，自然的东西是神给我们的。为什么古典的东西好，为什么我 们人长得这样，我们天生就晓得什么样的人好 看，什么样的人不好看。就像那个黄金分割率，我总觉得它很伟大，它把这东西总结归纳了，变成一种科学。我就觉得这东西不好看。所以我们觉得一样东西好看、 好听，觉得它好的话，一定是它有着某种自然的属性。所以二十世纪的艺术家我是不喜欢，真的是不喜欢。

陈丹青：你有你的道理，你的道理，对你能够自给自足就好。要知道并没有一个永恒不变的”自然”摆在那里。” 自然”这句话是人想出来的。没有文化真的是无所 谓”自然”的，那是个形容词。我想整个现代文化在中国还没有足够形成一个环境来包围你，跟你的生活打成一片，直接就在你的生活中。在中国，”现代艺术”还 是一个事件，是一小群在做的事，被小范围议论着，总之，现代艺术在中国还不是大家生活里的东西，中国还没变成一个”准现代”国家–”现代”不是指时间， 而是指文化。在西方，人们整个儿活在现代文化的环境里，在那个环境里，现代的、后现代的艺术在那儿生长，那倒显得很真实。

王安忆：其实我们现在都不自然了。我就觉得我们这些人都已经被搞坏掉了，去看一件作品，我们的观念首先出来 说话，它是画什么，它表现什么呀。以前我们 家的一个邻居，那女孩有一次到我家来给我看邮票，她一定要送给我两枚邮票，我说这种邮票的发行量太大，我是不要的。结果她说：”为什么不要呢？好看，老好 看的。”后来我就要了她的两枚邮票，我就觉得他们很朴素的，”好看，老好看的，为啥不要啦？”

陈丹青：毕加索也”老好看的”呀！你不要以为我是画画的，就有了许多理论，然后去看艺术，很直觉的，就是瞪 着眼睛看。我刚去美国时不太懂观念艺术，因 为眼睛不管用了，看了许多书，许多展览，慢慢明白了，尤其是在那里长期生活，你会逐渐”明白”，那种生活和环境，然后再看，就没有障碍了。

王安忆：举个例子。

陈丹青：当时英国有个青年艺术家，叫Ron Mueck，他做了一件作品叫”亲爱的父亲”，就是他父亲的尸体，全裸体，摊手摊脚躺在那儿–这时候观念就来了：那件超级真实的蜡制人体，也就是他的亲 爹，尺寸却做得只有襁褓那么大，躺在大厅里，身子底下垫着一块白板，纤毫毕现，所有人围着看。另一件作品叫”面具”，巨大的一个头，耳朵后的脑袋部分被切 去，没有，只有颜面，整个比真人脸大二三十倍，一个眼珠有一个人头那么大，蓝眼睛里瞳孔的每根丝都做出来，纤毫毕现，可是他放在一个小房间里，这么大的脑 袋占据了整个房间，所有观众都比那脑袋矮小，挤在那里头看那个头。这就超越了美国的超写实雕塑，超写实雕塑告诉我们能够将人做得像真人一样，但这位英国人 超越了，在他那里，超写实雕塑变成手段，来说他要说的话，非常雄辩。视觉的东西一定得非常雄辩，任何你说出口的话去形容它都不对。你只能当场站在那儿看， 被震撼。我起先听说那件作品，就佩服，我不佩服他做得”像”、”逼真”，我佩服他这样运用了”逼真”，然后我在纽约看见原作了，啊呀，一点没打折扣，还比 我想的更好，目瞪口呆。这样的作品，它产生，如果没有背后的现代主义文化，他也做不出来，他想不到这样去做。

王安忆：你说的那两件作品，我没有看，但是觉得好就好在它的创意。这样，艺术就变成一种创意，变成一种设计了。

陈丹青：是呀，没错，为什么艺术不应该是创意和设计呢？

王安忆：听我说，如果是这样的话，那艺术就很容易被复制，别人要学过来也可以。但是好的艺术，我觉得是无法复制的。

陈丹青：你再去照样做个”我的母亲”，马上不如他。

王安忆：然后大家就要坐下来，谈谈谁是第一个。第一个才有意义，第二个就没有了。

陈丹青：对啊，是这样！我们谈论艺术史不就是在谈论那些”第一个”吗？不，是”唯一”的那一个！许多”唯一的”、”第一的”才构成美术史。文学不是这样吗？

王安忆：当然不应该是这样，我觉得第一第二是无所谓的，好东西总是好的，像托尔斯泰，谁能去
模仿他？艺术现在变成一种标新立异的东西了。